© Sania Nascarella

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  1. Location: Ahoi, Lucerne

    Exhibition: Roadkill for Dinner 

  2. Roadkill for Dinner, 2024 Exhibition view

  3. Two Boars, 2024,
    104cm x 144cm, Polyester, MDF Frame

  4. A Shadow, 2024

    Sculpture; 82,5cm x 149cm x 30cm, Wood, Acrylic

  5. Patchwork, 2024

    23cm x 33cm, Polyester, MDF Frame

  6. Exhibition Text

    Eleonora Bitterli, Juni 2024

     

    „Gestern war ich im Reich der Schatten“, notiert der Schriftsteller Maxim Gorki nach dem Besuch einer Filmvorführung der Gebrüder Lumière im Juli 1896 und meint damit die stummen, farblosen Szenen, die auf ihn einen geradezu gespenstischen Eindruck machten. Neben dem Film ist es aber auch das Raumerlebnis, das bei Gorki nachklingt. Immer wieder wurde der vom Projektorenlicht erhellte Kinosaal mit Platons Höhlengleichnis in Bezug gebracht. Das Bild der Höhle erzeugt dabei eine ambivalente Atmosphäre, die sowohl Geborgenheit als auch Abgründigkeit impliziert und uns, wie Sigmund Freud es formulierte, einen „anderen Schauplatz“ für die (un)heimlichen Phantasien, die sich nur auf bestimmten Bühnen abspielen dürfen, eröffnet.

    Mit der Wahl der Furrengasse 11 als Ausstellungsraum gelingt es Sania Nascarella, ihre Arbeiten gekonnt in ein Setting zu integrieren, das diesem „anderen Schauplatz“ entspricht. In seiner gesamten Wirkung bleibt der Raum in Roadkill for Dinner nicht bloss Display, sondern wird zu einer Bühne, zu einem Schauplatz, in dessen bestehende Strukturen sich die drei ausgestellten Arbeiten nahtlos einfügen. Die verlassene Kulisse an der Furrengasse 11 suggeriert eine Handlung, und es stellt sich die Frage: Was ist passiert? Wer sass im Auto, als der Unfall passierte? Diese Vorgeschichte wird in ein privates Setting getragen, das einen Ofen, Bilder an den Wänden und unvermeidlich die gegebenen Strukturen wie die Küchenzeile am Ende des Raumes umfasst.

    Trotz bewusster Annäherung und präzis berechneter Plazierung der Objekte im Raum, wirkt die Szenerie alles andere als heimelig: Das bürgerliche Ideal der eigenen vier Wände – der Wunsch nach sozialer Homogenität, nach Sicherheit, Privatheit und Naturnähe – bleibt unerfüllt. Die Stube wird zum unheimlichen Ort, das Vertraute zur Projektionsfläche für düster Verborgenes. Diese Ästhetik ist wesentlich von Freuds Aufsatz „Das Unheimliche“ geprägt, wobei Freud betont, dass dieses Empfinden stark an die Fiktion gebunden ist und im realen Leben so nicht erreicht werden kann.

    Sania Nascarella setzt die einzelnen Komponenten ihrer Arbeit gekonnt ein: In ihrem klar kalkulierten und alles andere als zufällig gestalteten Interieur arbeitet sie mit Codes, die auf das individuelle und kollektive Gedächtnis zurückgreifen. So evoziert beispielsweise das Tartan-Muster in der im Porträtformat konzipierten Arbeit Patchwork eine weit zurückreichende Bedeutungsgeschichte: Im Schottland des 16. Jahrhunderts symbolisierte das Muster die Clanzugehörigkeit, Mitte des 20. Jahrhunderts brachten Designer wie Burberry und Vivienne Westwood das Karomuster auf die internationalen Laufstege. Im Gegensatz zu den vergleichbar reduzierten Kompositionen der Moderne, etwa von Piet Mondrian, wohnt dem Patchwork eine starke Emotionalität inne. Es stellt sich die Frage, ob sehen überhaupt neutral sein kann.

    Gegenüber hängt die Arbeit Two Boars – zu erkennen sind zwei identische Wildschweine. Während das grosse Querformat an ein Landschaftsgemälde in einem bürgerlichen Setting erinnert, sind die Motive in ihrer Anordnung einem Wappen ähnlich. Doch die doppelte, nicht gespiegelte Präsenz des bedeutungsträchtigen Tieres lässt sich nicht entschlüsseln und stört die heimelige, vertraute Szene sowie die Sicherheit des Hauses zusätzlich durch die ihm zugeschriebenen Attribute.

    A Shadow ist das dritte Objekt in Sania Nascarellas Einzelausstellung. Es handelt sich um das 1:1 Modell eines Kamins, dessen Masse dem Vorbild im Elternhaus der Künstlerin entsprechen. Durch die starke Reduktion und das Weglassen der individuellen Ausführung (Ornamente, Farbgebung) ist A Shadow ein reiner Referent seines Gegenstandes und eine individuelle Projektionsfläche.

    Das Unheimliche wird als etwas Vertrautes, das im Prozess der Verdrängung entfremdet wurde, beschrieben. In Sania Nascarellas Ausstellung wird diese Verdrängung sichtbar, indem die Künstlerin die vertraute häusliche Szenerie durch den Einbruch des Unheimlichen transformiert. Roadkill for Dinner eröffnet den Besucher:innen ein tiefgründiges Narrativ, das die Grenzen zwischen Innen und Aussen, Vertrautem und Fremdem, Heimeligem und Unheimlichem individuell erfahrbar macht – und nachhallt, wie es Gorki am Tag nach seinem Kinobesuch passend formulierte.

  8. ‘Yesterday I was in the realm of shadows,’ noted the writer Maxim Gorky after attending a screening of the Lumière brothers' film in July 1896, referring to the silent, colourless scenes that made an almost ghostly impression on him. In addition to the film, it is also the spatial experience that resonates with Gorky. The cinema auditorium illuminated by the projector light was repeatedly related to Plato's allegory of the cave. The image of the cave creates an ambivalent atmosphere that implies both security and abysmalness and, as Sigmund Freud put it, opens up a ‘different setting’ for the (un)secret fantasies that can only take place on certain stages.

    By choosing Furrengasse 11 as the exhibition space, Sania Nascarella has succeeded in skilfully integrating her works into a setting that corresponds to this ‘other setting’. In its overall effect, the space in Roadkill for Dinner does not merely remain a display, but becomes a stage, a setting into whose existing structures the three exhibited works fit seamlessly. The deserted backdrop at Furrengasse 11 suggests an action, and the question arises: What happened? Who was in the car when the accident happened? This back story is carried into a private setting that includes a stove, pictures on the walls and, inevitably, the given structures such as the kitchenette at the end of the room.

    Despite the deliberate approach and precisely calculated placement of the objects in the room, the setting is anything but cosy: the bourgeois ideal of one's own four walls - the desire for social homogeneity, security, privacy and closeness to nature - remains unfulfilled. The parlour becomes an eerie place, the familiar a projection screen for the darkly hidden. This aesthetic is essentially characterised by Freud's essay ‘The Uncanny’, whereby Freud emphasises that this feeling is strongly tied to fiction and cannot be achieved in real life.

    Sania Nascarella skilfully uses the individual components of her work: In her clearly calculated and anything but randomly designed interior, she works with codes that draw on individual and collective memory. The tartan pattern in the portrait-format work Patchwork, for example, evokes a long history of meaning: In 16th century Scotland, the pattern symbolised clan affiliation; in the mid-20th century, designers such as Burberry and Vivienne Westwood brought the check pattern to the international catwalks. In contrast to the comparably reduced compositions of modernism, for example by Piet Mondrian, patchwork has a strong emotionality. The question arises as to whether seeing can be neutral at all.

    Opposite hangs the work Two Boars - two identical wild boars can be recognised. While the large landscape format is reminiscent of a landscape painting in a bourgeois setting, the motifs are similar to a coat of arms in their arrangement. However, the double, non-mirrored presence of the significant animal cannot be deciphered and further disturbs the cosy, familiar scene and the security of the house through the attributes attributed to it.

    A Shadow is the third object in Sania Nascarella's solo exhibition. It is a 1:1 model of a fireplace, the dimensions of which correspond to the model in the artist's parents' house. Due to the strong reduction and the omission of the individual execution (ornaments, colouring), A Shadow is a pure referent of its object and an individual projection surface.

    The uncanny is described as something familiar that has been alienated in the process of repression. In Sania Nascarella's exhibition, this repression becomes visible as the artist transforms the familiar domestic scene through the intrusion of the uncanny. Roadkill for Dinner opens up a profound narrative for visitors that makes the boundaries between inside and outside, the familiar and the strange, the homely and the uncanny individually tangible - and resonates, as Gorky aptly put it the day after his visit to the cinema.